CULTURA VISUAL

En la clase del 28/5 se trabajo otra de la tematizaciones de interés para el curso: Cultura Visual. Es un territorio todavía poco consistente a nivel epistemológico y que parte de un dominio –bastante reciente- llamado “Estudios Culturales”.

El abordaje de la misma se hizo a través de un recorrido del eje ojo-visión-mirada en relación a un concepto que es el de regímen escópico; pensado este como aquello que en cada era se considera verosímil en torno a lo visible. A su vez ese concepto – siguiendo a Foucault- alude a la existencia de ciertas modalidades de ver (como formaciones discursivas) en cada época, que responde a un conjunto de aspectos históricos, culturales y epistémicos.

Momento 1

El ojo está marcado por ciertos atributos que están dentro de cierto paradigma epocal con un efecto hacia los objetos. Aparecen ciertas representaciones del ojo que se circunscriben a cierta forma discursiva emparentada a un dominio de saber, entrando así en el tema de lo visual.

A partir de mostrar imágenes de pinturas se visualizó que en esos modos de trabajar la mancha estamos tratando de identificar los materiales y los colores. Según los gestálticos si podemos componer imagen es porque estamos relacionando todo eso. Y en esa relación estamos componiendo significado. Desde los biológico tenemos la posibilidad de identificar la esencia, la estructura significativa de lo que vemos a nuestro alrededor. El artista sale de la perspectiva. Se produce otra cosa que disloca, hace una torsión en esa lógica de mirar y producir los espacios. Además estamos tratando también con la representación en el espacio. Con todo esto aparece lo estético que tiene que ver con esto tan sutil, con esas trampas del pintor, que hace que nosotros nos enganchemos con eso y no sepamos porque. En esta primera parte presentamos algunos conceptos de la teoría gestáltica y lo que tiene que ver con los signos, que son posibles repertorios culturales que hace que podamos identificar materiales en esas pinturas.

Genealogías del ojo

Yendo a otro espacio para seguir reflexionando en torno a Cultura Visual llegamos a la identificación de un recorrido de nuestra cultura (de la imagen) en torno al ojo: Ver ciertas teoría del ojo. Cuando abordamos la imagen inevitablemente lo hacemos desde un terreno epistemológico. Es necesario visualizar que sistema, que modelos produjeron esas teorías del ojo. Así pasamos por:

 - Tres modelos en los pre-modernos (Pitágoras, Demócrito  y Platón)

-El espíritu visual y  Hunain Ibn Ishaq, donde el factor místico se liga a un modelo integrado. Hay una descripción del ojo que está metida dentro de lo poético, de lo discursivo, de lo narrativo. Hunayn ve al ojo como una estructura ordenada muy armoniosa, donde cada parte es un ser en su propia naturaleza que se conecta a otra dos partes en orden muy coherente.

- Leonardo da Vinci con su cámara oscura produce la metáfora de cómo el ojo ve. 

A partir de los ejemplos de La Gioconda de Leonardo da Vinci y  El nacimiento del mundo de Gustave Courbet – podemos decir que hay modos de ver y dejar de ver en algún tiempo y lugar.

-La fábrica de Vesalio (1543): en el primer renacimiento aparece la representación del cuerpo a través de una mirada desde el arte. Aparece un modelo, un formato de representación que viene del mundo del arte. Lo artístico en esta episteme está muy ligado con el conocimiento científico. La perspectiva produjo una idea de espacio y tiempo. Esa representación produce un saber anatómico, fisiológico, de funcionamiento.

-Rembrandt (1606-1649), primera representación de un cuerpo abierto mostrada desde  lo pictórico.

-Siglo XVI  periodo donde se empieza a producir la cuestión de lo humano como objeto de estudio. Ya no hay una luz interna que tiene que ver con cierta espiritualidad. Las imágenes que entran están supeditadas al cerebro, a la razón. El ver pasa a ser algo que es motivado.

-La ventana y el espejo : Aparecen otras metáforas del ver. Hay una torsión en torno a lo estético que se manifiesta en las líneas de las miradas (quién mira a quién). El espacio que se produce excede lo compositivo y pasa a eso que se juega en el terreno de las miradas. Aparecen otras configuraciones en esa cuestión de la mirada.

- en un recorrido por las teorías del ojo (en relación a lo fisiológico) desde el siglo XVII al hoy, aparece por ejemplo el estudio del cerebro (siglo XVIII), el estudio de la organización celular del ojo (propias del siglo XX), hasta la producción de una organización “más compleja” de lo que se supone que es el ojo.

Momento 2

Siguiendo con esto de la cultura visual, vemos que se relaciona con muchas teorías del ver, del conocer, con teorías del sujeto.

En el trabajo de Duchamp "Dado:1. La cascada: 2 . El alumbrado público" aparece el enigma. Hay un agujero en esa puerta que invitar a mirar. Aparece el juego de que el que mira está expuesto a ser mirado, y eso es un juego de lo deseante, de lo que  produce el movimiento. Y eso tiene que ver entre otras cosas con una teoría de Lacan que es el Estadio de el espejo (el niño se reconoce en la mirada de su madre. El espejo es una metáfora, es la mirada del otro. El sujeto no se produce solo, se produce en una ajenidad que está en el lugar en donde se encuentran las miradas. El sujeto se hace sujeto desde su afuera, no es sujeto dado).

-De la visión a la mirada: la visión empieza a tener otras funciones. Al ver puedo decidir, puedo emitir un juicio. La visión empieza a tener un lugar importante en la cosmogonía occidental. Existe continuidad entre los fisiológico y lo imaginario conceptual. La visión interpretativa es un modo de estar en el mundo con otros, es un modo de sobrevivencia (es mucho más que lo fisiológico). El ver significa mirar y ahí se cuelan elementos del deseo. Yo me encuentro con el otro en ese mirar de picardía. La mirada nos integra en nuestro entorno.

-Ver es mirar: la mirada es esa capacidad de hacer interpretaciones, proyectar nuestras intenciones. No hay una mirada desinteresada.

-Arheim desde la Gestalt (percepción visual): el ver es interpretar. El ver es un ver activo. Siempre estoy configurando, agrupando, dándole significado a lo que veo.

-Ver es comprender: Se nos configura el mundo en un horizonte significativo.  Según Husserl vemos en pluralidades. La Gestalt diría: en esa pluralidad puedo hacer foco y decir esta es la figura y este es el fondo. Identifico eso porque tiene una consistencia a nivel de la forma, que se llama pregnancia.  

- Del acto fisiológico de ver a la hermenéutica de mirar: en el mundo no estamos en un rol estático de producción de figura y forma en forma continua. Hay algo que excede este ser en el mundo  y tiene que ver con algo que nosotros llamamos lo hermenéutico (el acto de interpretar lo que dice o hace el otro). La imagen tiene esa capacidad de la plurivocidad, de un abanico sentidos para quien se ancla en ella. Este entorno visual del que hablan los gestálticos está relacionado con una tradición histórica, social, política. En ese acto de interpretación nos encontramos con nuestros repertorios culturales.

-Estética y hermenéutica (Gadamer,1964):  La imagen no es autónoma sino que está tejida en una red intencional, significativa. Nos ubicamos en una encrucijada que tenemos nosotros en esto de la cultura visual: primero que nosotros podemos reconocer formas, estructuras (relacionados a territorios tradicionales en la producción de imagen) y tenemos eso que excede y tiene que ver con la comunicación. Para nossotros la comunicación visual es más que una conversación entre uno que habla y otro que escucha (en un binomio activo-pasivo). Nuestra propuesta es entender la comunicación desde una propuesta bajtiniana donde todo oyente es un respondedor activo. Todos estamos en esa trama de imágenes insertos en la ciudad en forma activa. Los que arman afiches o esculturas no lo entienden como un afectar al otro. Es una mutua afectación , interrelacionada,  donde habita la imagen y nosotros la habitamos a ella a través de las miradas.      

En lo hermenéutico hay un encuentro . Cuando yo interpreto algo no lo estoy analizando.. Yo estoy en ese acontecer. Yo soy el que emerge en ese encuentro, pero como interprete.  La historicidad tiene que ver con esos repertorios que hacen de mi un interprete. Estamos ampliando nuestros repertorios significativos. Podemos comprender de forma empática eso que acontece, yendo a las cosas. Nosotros somos hermeneutas en esta ciudad. Hermenéutica significa traducción. Hago una traducción de cosas que vienen de antes con elementos que tengo de mi mundo, de mi código cultural. Traigo algo y lo traiciono desde la interpretación que hago desde ese código cultural (lo tergerviso).

Lo hermenéutico tiene que ver con le lenguaje. Es palabra. El pensamiento es un decir. Cuando me encuentro con la imagen yo soy con la imagen, produciéndose una autocomprensión. La interpretación abarca al arte y a lo bello mediando con la realidad.

Momento 3

Nuestro recorrido fue del ojo al ver y del ver al mirar. El ojo está relacionado con esas teorías del ver -que comprenden entornos epocales- en donde aparecen elucubraciones. Tiene que ver con un ver que excede lo fisiológico. Lo enigmático, lo deseante -todo eso que excede en la imagen- me da una autocomprensión y no me hace entrar en los análisis formales. Si queremos ir al territorio de lo significativo tenemos que entrar en el territorio de lo hermenéutico. La imagen es un acontecimiento que me convoca, con mi historicidad, con mi tradición.

Vamos a otra noción que es muy importante para la comprensión de este territorio y que es eso de los regímenes escópicos (régimenes del ver). Es una noción que tiene su lugar, su procedencia en Lacan, que a su vez lo toma de un intercambio con Foucault. Brea lo toma y lo trabaja planteándolo como los modos en que nosotros vemos. Estas formas de ver componen mundos. Cuando nosotros vemos algo estamos diciendo que hay cosas que no vemos. Los regímenes escópicos nos obturan otros modos de ver. Las ventanas como diferentes composiciones –que estructuran mundos- nos invitan a ver mundos. Según la ventana que elijo para ver va a ser la forma de ver el mundo. Con Foucault traemos que las formas de ver traen implícitas las formas en que no podemos ver (nuestros puntos ciegos que son culturales, epocales).  Los modos de ver están relacionados con lo técnico. Las novedades tecnológicas producen modos de ver significativos.

Y para terminar vamos a una noción clave, que nos gustaría que las reflexionaran y las puedan verter en sus trabajos y que es el Giro postpictorial de Mitchell (en su Teoría de la imagen) donde la imagen no es solo lo figural: la imagen es un complejo juego entre la visualidad, los aparatos, las instituciones, los discursos, los cuerpos y la figuralidad. En la imagen no solo está la figura o el texto. Hay una institución, una forma de mirar que es cultural.

Con estos recorridos por la cuestión de la imagen los invitamos a pensar una pregunta, que comprenda esa ciudad que están componiendo colectivamente.Todo esto que estamos trabajando y que estamos intentando precisar les puede servir para la producción de la pregunta. Son elementos para que ustedes puedan anclar un territorio en la imagen, desde un ver hermenéutico.

Bibliografía

Brea, J.L.; La tres eras de la imagen, Ed. Akal, 2010, Madrid.

Gadamer, H.G.; Estética y hermenéutica, Ed.Tecnos, 2006, Madrid.

Mitchell,W.J.T.; Teoría de la imagen, Ed. Akal, 2009, Madrid.

Pierantoni, R., El ojo y la idea: Fisiología e Historia de la Visión, Ed. Paidós, 1984, Barcelona.

 PPT:

Cultura visual

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Seguimos con el WIP (clase 14/5)

En un primer momento de la clase se mostraron más cartografías producidas por los estudiantes y los mismos fueron comentando su realización. Se pueden ver diferentes formar de representar un mapa existencial, diferentes ordenamientos de los recorridos personales, desde ciertos modelos. Esos recorridos implican un ejercicio de observación. La observación es una de las herramientas que se utilizan en una investigación.

En un segundo momento se volvieron a reunir los grupos -armados en la clase anterior- para seguir trabajando en el WIP 1, siguiendo algunas sugerencias de ejes temáticos muy generales -propuestos por el equipo docente y que los estudiantes podían tomar o no- para seguir delineando el campo de problemáticas, en donde se alojaría la pregunta investigativa.

En el cierre de la clase se explicó el wip 2. El mismo tiene carácter domiciliario y consiste en:

Wip2 eyd2

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Empezamos con el wip (working in progress)

La idea es poder llegar a delimitar un campo de poblemáticas y formular una pregunta investigativa pertinente. El territorio que se va a tratar de delinear es "la ciudad y sus marcas".

A continuación las propuesta del wip 1:

Parte 1:

Wip1 eyd2

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Parte 2:

Wip1 2 eyd2

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artículos:


 

9 7-1996 pag12-13

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11 7-1996 pag49

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Recapitulando...

La recapitulación consistió en:

1- una breve presentación del curso a los estudiantes de la opcional, que formalmente empezaban a asistir al curso ese día. Así que se presentó el quipo docente, los aspectos formales del curso ( horarios, salón, blog del curso: eyd2), disponibilidad de material bibliográfico en el CEDA y en el blog, e-mail de contacto para consultas (magalipastorino@gmail.com), reglamentación de los cursos (asistencias y trabajos parciales) y la modalidad de trabajo del equipo docente (el “working in progress” como modo de ir hacia la producción de problemáticas, hacia un “objeto de interés investigable”). Por otro lado se presentaron las grandes tematizaciones del curso –una síntesis de los puntos a trabajar en cada una de ellas y su correspondiente bibliografía- que son las que nos posibilitaran comprender estos territorios de la estética y el diseño: 1-una genealogía en el discurso estético del diseño, 2- estetización del mundo, 3-lógicas proyectuales y 4-cultura visual.

2- un recorrido por lo trabajado hasta ahora -para seguir en la próxima instancia con el espacio de taller para “la formulación de la pregunta investigativa” A grandes rasgos (y esto lo pueden profundizar en las crónicas de clase colgadas en el blog) el recorrido fue:

Empezamos con la tematización “estetización de la vida cotidiana” haciendo observaciones relacionadas a : 1) nuestra relación con el mundo está mediada con la imagen. Esa imagen tiene dos potencialidades que son los alcances gnoseológicos (conocimientos, pautas, guías, señales)  y estéticos (la posibilidad de abrir nuevos horizontes hermenéuticos- poiéticos) El sentido do de lo poiético va por el lado de que hay una producción que me involucra (y que no es solo materia elaborada) y que modifica el entorno y a mi mismo, posibilitando una apertura de los horizontes de significación; 2-el mundo devino imagen; 3- una relación disociada naturaleza-cultura  d- como las imágenes nos pautan formas de sentir, hacer y actuar y 4- como cuando hablamos de lo comunicativo en esta búsqueda de lo estético aparece una hermenéutica de la imagen que refuerza un modo de comprender lo estético.

Antes de continuar con la recapitulación revisamos algunas nociones de diseño (de carácter provisional) propuestas en el curso EyD1 y que son las que van a estar recorriendo nuestro curso: el diseño como un discurso epocal y complejo, emergente de las prácticas sociales históricas y una alianza saber-poder. Lo proyectual se funda como dominio de los fundamentos del diseño. El proyecto no es neutral, tiene una moral,  una estética.  En su devenir se van construyendo posicionamientos. Al diseño lo vamos a entender como una expresión inmanente de un entramado socio-histórico-político-cultural. Además nos interesa dar cuenta de las acciones de los discursos, produciendo efectos en los cuerpos. “Efecto” como potencia que tiene el lenguaje en su reiteración, produciendo lo que nombra (noción de performatividad de Judith Butler)

Cuatro grandes momentos:

A- Algunas referencias

Estetización difusa: lo estético que era propio de la autonomía del arte se vuelca a lo cotidiano. No solo veo arte en las galerías sino también en la calle (los graffitis de los muros). Se produce un borroneamiento en estos campos. Hay una posible proveniencia de este exceso hacia el mundo de la vida: 1- como se produjo un campo posible para pensar ciertos valores del arte (teorías de la filosofía del S. XVIII que tienen que ver con la estética) y 2- como lo estética se realiza en nuestra cotidianeidad (de la mano de Ana Calvera).

En ese ir a las proveniencias (partiendo del complejo campo del S.XVIII) la estética aparece como clave de la modernidad. Hay un quiebre a nivel de la subjetividad. Lo moderno tiene que ver con una temporalidad y ahí podemos ver lo estético. La estética aparece como un objeto de estudio: belleza de las cosas y la razón de ser del arte (lo metafísico). El humano aparece también como objeto de estudio en lo relacionado a estudios de la lengua, de lo biológico, de la cultura. Para Marchan Fiz el pensamiento ilustrado culmina con la estética. En este derrotero aparece lo potencial de lo estético y el proyecto moderno: lo estético relacionado con lo moral. Se plantea el estudio de la variedad del gusto y la capacidad educativa de la experiencia estética. Cuando llegamos al cierre del siglo XIX -haciendo eje Viena Paris- se ve una gran ruptura de la producción de la subjetividad. Se impone el concepto de Estado Nación (concepto político ordenador) a la comunidad. Lo estético es político también. Reordenamientos políticos-económicos-culturales-artísticos, espirituales…Torsiones..la irrupción del acontecimiento a partir del arte.

B- Una genealogía y estetización de la vida cotidiana

Genealogía  no es historia, no va a un origen, no es árbol genealógico. Intenta dar posibles “origenes” (plural). El acontecimiento produce una diversidad de visiones, de versiones. El recorrido genealógico (en torno a lo discursivo) que hemos visto aparece claramente expresado en una definición proveniente del discurso del diseño (que tomamos de Ana Calvera de su libro “Del lo bello de las cosas”): El diseño contribuye activamente y se hace cargo de la mejora estética del mundo contemporáneo tornándolo un medio habitable y un paisaje que satisfaga y cultive lo más humano de las personas. Ese discurso lo seguimos encontrando en el ámbito del diseño hoy. Aquello que se produce como el mejorar del mundo se transforma en otros valores. Se llega a una estetización del diseño, donde la buena forma (que tiene que ver con la función) se transmuta en mercancía, en relación al mercado, con vistas al consumo masivo y a ideas democráticas. Así lo moral aparece como la buena forma. Lo funcional aparece como una estética, porque sigue estando en lo discursivo.  Como ejemplo tenemos el funcionalismo de Muthesius de la “perfecta y pura utilidad”

C- Caja de herramientas para nuestro wip (working in progress)

Arribamos a las herramientas que utilizaremos en este curso para llegar a producir una pregunta de investigación y un marco que ampare dicha pregunta. La idea es propender al desarrollo de una comunidad de estudiantes investigadores.  Trabajamos )y esto lo pueden ver en la crónica de la clase anterior) la noción de caja de herramientas (de la mano de M. Foucault y G. Deleuze), algunas claves que nos arroja el texto “Verdad y mentira en sentido extramoral” de F. Nietzsche, la genealogía  a través del texto la “Nietzsche, la genealogía, la historia”  en Microfísica del poder de M. Foucault ( “ilustrada” con el ejemplo de la pintura de Blanes), la noción de “campo de luchas” (que también es de Nietzsche),  “juegos de Verdad” (que viene de Foucault) y la noción de episteme (que aparece en el libro “Las palabras y las cosas” de Michel Foucault) y de paradigmas epocales (con Esther Díaz y su libro “La posciencia- El conocimiento científico en las postrimerías de la modernidad)

D- Cartografías cotidianas y producción de subjetividad

En la primera clase dijimos que nuestro curso en relación al abordaje de la imagen  (ej. la cartelería produciendo signos y los signos arrojando significaciones-, y de lo estético (en esto de grandes escenografías que habitamos cotidianamente), se va a ubicar en las marcas visuales de los espacios públicos, como producción de escenografías en donde nuestra vida se despliega. Y se hablo que lo estético lo podemos pensar como producción de subjetividad. Esta es una noción de Michel Foucault que se va a trabajar muy seguido en el curso y que refiere al modo en que produce la alianza entre el saber (sus dominios) y el poder (en relación a la producción de sujetos).

En esta instancia se mostraron algunas de las cartografías producidas en relación al ejercicio propuesto en la primera clase que consistía en hacer una cartografía con las marcas visuales significativas del espacio público comprendido en el barrio de pertenencia:

Patricia Barreix

Carina Martínez - La Teja

Emilia Rodríguez

Tatiana Machado- Mapeo del viaducto

Jessica Stebniki

En torno a un intercambio de como habían producido las cartografías surgió: Esas marcas son las que hacen suyo ese lugar, son los caminos que hacen cada uno de ellos en su cotidianeidad. Los componentes estéticos que aparecen en las diversas cartografías se relacionan a los sentidos de producción de cada compañero. Esas miradas que se producen (donde están los recuerdos, lo que sentimos, lo que le pasa a nuestro cuerpo en ese lugar) van a posibilitar producir un campo investigativo que se referencia al eje “La ciudad y sus marcas visuales”. La idea es poder visualizar que hacen esas marcas en nuestros cuerpos. El cuerpo es una forma de entender que está pasando en esos complejos territorios que estamos abordando (lo estético y el diseño), tomando las herramientas trabajadas. Así que en la próxima clase se va a trabajar en taller (utilizando la modalidad del working in progress), con la idea de poder armar una pregunta de investigación y un marco que la sustente.

PPT´s

Recapitulación (parte 1)

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Clase 4 recapitulación (parte 2)

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Encrucijadas de lo estético en el campo del diseño / Abordajes para la comprensión del diseño: herramientas

Una jornada de trabajo que se dividió en dos momentos:  

Encrucijadas de lo estético en el campo del diseño

Se trajeron algunas cuestiones trabajadas en el encuentro pasado para retomar los alcances estéticos del diseño y poder empezar a problematizar eso dos campos complejos que son el diseño y lo estético. Utilizamos como guía el texto de Ana Calvera ¨De lo bello de las cosas”.

Recordando las producciones novedosas en arquitectura de Otto Wagner en la cotidianeidad vienesa a principios del siglo XIX y las de A. Aalto, que innovo en materiales utilizados en el diseño en el S XX, nos preguntamos donde está lo estético en sus producciones? De alguna forma, lo cotidiano se lleno de estos otros repertorios y produjo otros paisajes. La función está operando como una nueva apertura estética de la cotidianeidad.

Calvera plantea que el legado kantiano se introdujo en el campo del diseño a nivel discursivo. Kant deja de lado lo útil y necesario. Para Kant lo útil es antinómico a lo bello. Así que cuando un diseñador está remarcando la funcionalidad, desde una perspectiva kantiana se puede decir que en el objeto diseñado no está habitando lo estético. De alguna manera este discurso kantiano vuelve a operar en el siglo XX como una crítica a la razón instrumental denunciando al diseño como apariencia seductora de la mercancía, estética manipuladora al servicio y los intereses del capitalismo. Es interesante como se empiezan a tejer estos discursos políticos y morales.

En esa producción de binomios así como lo bello queda excluido de lo útil también el arte queda excluido de lo tecnológico porque es en el arte es donde se aloja lo humano. Se sigue multiplicando esa lógica binaria. Además a través de este discurso se fortalece una especificidad del diseño porque se entiende que el diseño tiene que ser el lugar de lo útil y lo necesario y por tanto ahí no habita lo humano. Calvera dice que en ese juego de verdades que se producen aparece el diseño desde una definición que tiene que ver con su fundación – y que aparece en el recorrido discursivo que hemos visto del S. XVIII- y que es: contribuye activamente y se hace cargo de la mejora estética del mundo contemporáneo tornándolo un medio más habitable y un paisaje que satisfaga y cultive lo más humano de las personas. Y si el diseño es función entonces donde habita lo humano,? Estamos frente a un problema.

Calvera agregando a nuestra problematización dice que por lo general el pensamiento estético ha tendido a ver la estética propuesta por el diseño -o por las demás manifestaciones de lo estético en la cultura visual de los medios de comunicación social- como una estética empobrecida que viene a compensar la imposibilidad de una experiencia estética en sentido fuerte y verdadero. Entonces otro nudo que tenemos en este terreno del diseño es que lo estéticamente fuerte está en el arte. El diseño parece ser como un espacio de menor creación. Tenemos aquí otro problema que es como se produjo el ordenamiento del territorio de lo estético en artes mayores y artes menores.

Por otro lado Calvera se pregunta: que pasa con ese concepto fundacional del diseño que opera para la mejoría de ese sujeto -que se vuelve más humano- cuando empieza a haber una transmutación de los valores de tal manera que lo estético empieza a pensarse desde esta otra categoría que es la buena forma. Cuando hablamos de lo bueno aparece asociado a esa tripartita platónica de lo bueno relacionado con lo bello y con lo pulcro.  La buena forma está relacionado a esa manera de producir el objeto para que a través de la forma nosotros podamos percibir claramente que eso funciona. De alguna forma el diseño toma el discurso de la buena forma saliendo del lugar de lo bello para acceder a la colocación del producto en un mercado diferenciado, en esto del capitalismo y sus devenires. Podemos ver así todos los planos discursivos que están  en esa categoría de la buena forma, que está incluido en un discurso estético que a su vez está atravesado por otros componentes -una teoría del sujeto, una teoría del conocimiento, una teoría económic- que dan cuenta de lo que se trata el objeto. Y acá retomamos una noción de funcionalismo de Muthesis (a fines del S.XIX) que lo define como la perfecta y pura utilidad: muebles prácticos sin adornos y con formas simples, cómodas para las ama de casa, los edificios u objetos de uso exhibirán la pulcra elegancia que nace de la adecuación a la función y de la concisa sobriedad. 

 En la clase pasada nos preguntábamos porque hablábamos de lo moral si estábamos hablando de lo estético. Y ahora nos preguntamos porque hablamos de lo funcional si estamos hablando de lo estético. Parece que lo estético es una imbricación múltiple de muchos aspectos y que posiblemente tenga que ver con un modo de ordenamiento. Podemos encontrar esta situación en el prefacio del libro “Las palabras y las cosas” de Foucault, en el sentido de que plantea que hay un orden que produce la condición del habitar y que nuestra vida cotidiana la producimos en base a una organización. Todo nuestro mundo está organizado en base a ciertas actividades que hace que este mundo se componga con un sentido y ese sentido tiene que ver con el orden como control. Entonces lo estético desde esa mirada es control, apareciendo también un modo de organización de los espacios. El propósito de esta presentación es ver la complejidad de nuestro campo como para poder abrirnos a preguntas y desde ahí contribuir a la producción de investigaciones.

Abordajes para la comprensión del diseño: herramientas

 Deleuze (filósofo que trabajó mucho con Félix Guattari y con el cual escribió el libro “Mil mesetas) en diálogo con Michel Foucault, producen la definición del intelectual. De alguna manera el intelectual es aquel que puede construir una caja de herramientas, en el sentido de que lo teórico no es una construcción dada -y que sirve para todo- sino que según lo que quiero abordar es la herramienta que voy a utilizar. En el campo del conocimiento se produce esa caja en el sentido epistemológico construccionista: el conocimiento lo vamos construyendo. Y por eso es necesario ver que herramienta es más adecuada para abordar el acontecimiento. Las decisiones del intelectual no son neutrales siempre están en un campo de decisión política y están produciendo afectaciones.

Antes de hablar de las herramientas nos parece importante presentar el cuerpo de hipótesis provisionales -que recorrerán nuestro curso- que piensan el diseño como un discurso epocal y complejo, un emergente de prácticas sociales y de alianzas saber- poder, y por otro lado surgiendo de un dominio de saber -que sería lo proyectual del diseño- que no es neutral y que forma parte de una racionalidad política y económica. Desde esa perspectiva del diseño la idea es que en nuestros procesos podamos dilucidar las prácticas sociales históricas –entendidas como parte de un entramado social, histórico, político, económico, cultural- y dar cuenta de cómo se van produciendo esas relaciones de poder – que son históricas- para poder prefigurar este territorio del diseño, expresión inmanente de esas prácticas.

Habiendo dado las perspectivas de lo que nosotros consideramos diseño, vamos a presentar un texto de Nietzsche: Sobre verdad y mentira en sentido extramoral. Del mismo vamos a sacar algunas nociones que para nosotros son claves. Nietzsche parte de que el hombre es por naturaleza engañador. Y eso significa que por cuestiones de sobrevivencia al medio hostil engaña para sobrevivir. No es algo moral, sino que es connatural a ese medio de sobrevivencia que no está diseñado para albergar a un sujeto. La persona necesita juntarse con otros para habitar el espacio. Pero para habitar un espacio con otros necesita un contrato social, un pacto que reglamente las acciones para poder vivir tranquilamente.  Entonces aparece el contrato social, la norma, la ley. Ese proceso es el que dió la posibilidad de construir una noción de verdad, una Verdad con mayúsculas . Nietzsche dice que la noción de Verdad  aparece en ese acuerdo que se dio en algún momento de la vida y que con el correr del tiempo fuimos olvidando cual era el sentido. Sin darnos cuenta estamos siendo arrastrados por aquel compromiso que nos precede y del cual no participamos. El elemento que produce la solidificación de esa Verdad es el lenguaje. Lo que el lenguaje hace es una reducción del acontecimiento -esquematizando aquello que sucedió- hasta llevarlo a una expresión. Es la ciencia el columpiario, la necrópolis del acontecimiento. Por otro lado cuando nos enganchamos al acontecimiento desde la participación producimos una versión del acontecimiento. Desde ahí Nietzsche dice que en el mundo no hay hechos sino interpretaciones. Porque cada uno de nosotros somos intérpretes de lo que sucede con los otros. Este entender nos libera del conocimiento para poder dar cuenta de otras cosas y poder entender que en el conocimiento está la pugna por la Verdad. . Entonces tenemos que el mundo es un haz de metáforas. Esto significa que no hay otro modo de comprender el mundo que no sea a través de la metáfora. Siempre estamos –para llegar a eso esencial- produciendo el devenir, produciendo “saltos”.

Nuestra primer herramienta es la genealogía. Foucault tiene un capítulo en su libro Microfísica del poder que se llama “Nietzsche, la genealogía, la historia” Qué le hace decir Foucault a Nietzsche? que cuando nosotros creemos que estamos haciendo historia (es decir yendo a la verdad, al origen del hecho) es una ilusión, porque nunca podemos llegar al hecho -a lo esencial- porque eso no existe. Lo que si existe son esas procedencias que producen ese acontecimiento. La genealogía es un modo de abordar el acontecimiento para mostrar la procedencia irracional y los procesos de racionalización retrospectivos que ofrecen a la mirada presente lo natural. Lo que se nos aparece como natural -que es una verdad- debemos desovillarlo y ver que otros discursos se juegan, que lugares de lo irracional aparecen y que compromiso hubo para que eso fuera Verdad. Entonces genealogía significa poder percibir las singularidades del acontecimiento. Significa que si estamos frente a un concepto, un esquema, algo abstracto damos un paso a un costado y podemos ver esas singularidades. La genealogía no concibe una finalidad evolutiva es decir en la genealogía no se trata de ver el acontecimiento como una causalidad o algo que nos lleve a un final, sino que es algo que se despliega ahí, que es inmanente a mí porque yo lo concibo y hay un compromiso en ese participar del acontecimiento. Por eso dice que su plano es el de los acontecimientos. Los sentidos históricos son múltiples pues nunca estamos frente a algo que es una unidad, pues ese algo siempre difiere. Trajimos un ejemplo para ver que sería una genealogía: una imagen de un cuadro de Blanes (el pintor de la patria). Foucault dice que la genealogía se trata de una mirada crítica y lo que trata de ver es lo que se inscribe en los cuerpos. La genealogía se opone a  las visión metafísica y trascendental de la historia. No es historia, sin embargo trata de ver de comprender como se generan los acontecimientos en su singularidad. No presenta un metarrelato universal. Trata de ver esos múltiples relatos que se producen en el acontecimiento. Se opone a la búsqueda del origen. No va a ver como se produjo eso, no busca ese valor que subyace a la cosa porque no hay nada debajo de eso. No hay metafísica. 

La segunda herramienta es la noción de “campo de luchas”, que también viene de la mano de Nietzsche. Esto significa que lo que emerge en nuestro escenario es el enfrentamiento. Lo que nosotros llamamos lo social y concebimos como si fuera una unidad, en realidad es un campo de fuerzas dinámico, en donde todo es múltiple. Desde esa mirada relativista ese campo es construcción y siempre es un enfrentamiento continuo donde podemos identificar los escenarios, los actores, las tácticas y estrategias y alianzas que se producen para generar verdades.

Nuestra tercera herramienta es entender que la producción de sujeto (y esto viene con Foucault) emerge en un “juego de verdades”. Un juego de verdades en donde se están produciendo equivalencias, comparaciones. Cuando nos peleamos con alguien se produce un antagonismo y ahí me configuro como alguien. Entonces el mundo es un juego de verdades. El mundo son discursos singulares que están en enfrentamiento y que producen sentidos en nuestra vida cotidiana. Juegos de verdades que hace que nosotros nos relacionemos con nosotros mismos (nos da una noción de lo que nos está pasando en ese momento). El problema para Foucault es a que precio se puede decir  la verdad sobre sí mismo, si decir algo sobre sí mismo significa  siempre estar mediando con otras palabras que no tienen nada que ver con lo que en este momento soy. La emergencia del sujeto (y acá podemos decir del objeto de diseño) es una producción socio-histórica donde se articula la cuestión de la verdad y las subjetivaciones posibles. De esa manera podemos ver modos de subjetivación que se relaciona con como devenimos sujetos y modos de objetivación que se relaciona como llegamos a ser objetos de estudios para otros. En diseño podemos ver como el usuario llegó a ser usuario, enclaustrándolo en un esquema y olvidándonos de las singularidades, a través de un discurso de verdad.  

Y para cerrar la clase presentamos la cuarta y última herramienta: Episteme. Es un concepto de Foucault que aparece en el prefacio de Las palabras y las cosas, donde aparece la noción de que un sujeto es en relación a ciertas condiciones de posibilidad. La episteme son nuestros modos de ver, de sentir y de hacer según el marco desde nos estamos posicionando y organizando. Foucault entendía que había modos epocales de poder pensar el mundo y nosotros podemos pensar el mundo desde esta condición, de este habitar.

Bibliografía

Calvera, A. “Introducción: materiales para una estética del diseño” en: De lo bello de las cosas. Materiales para una estética del diseño, Barcelona, GG, 2007.

Foucault, M. (1996) Las palabras y las cosas, Madrid, Siglo XXI, 1999.

Foucault, M. "Un diálogo sobre el poder - Gilles Deleuze / Michel Foucault" en: http://www.revistacontratiempo.com.ar/foucault_deleuze.htm

Foucault, M. "Nietzsche, la genealogía, la historia" en ¨Microfísica del poder" Madrid, Ediciones La piqueta, 1978.

Nietzsche, F. “Verdad y mentira en sentido extramoral” en: www.nietzscheana.com.ar 

PPT utilizado:

Clase2 herramientas

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Estetización de la vida cotidiana parte 1 (9/4/2012)

AVISO IMPORTANTE

ESTUDIANTES PARA EL LUNES 16 DE ABRIL TRAER LA CARTOGRAFÍA CON LAS MARCAS VISUALES SIGNIFICATIVAS DEL ESPACIO PÚBLICO COMPRENDIDO EN EL BARRIO DE PERTENENCIA.

NO OLVIDAR

Introducción

En el comienzo de la clase se hizo un repaso –un mapa- de las coordenadas y nociones claves de nuestro curso: 1- lo estético como arreglo personal, relacionada a otras nociones como son “producción de subjetividad” (ese ovillo complejo donde se entrama nuestro ser como sujeto), “régimen escópico” (un régimen de la mirada, de lo que se puede ver) y “episteme” (el modo en que habitamos el mundo, una forma de sentir, actuar y pensar); 2- lo proyectual como dominio de conocimientos y saber -de extensa tradición- que se basa en una metodología, que tiene un objeto que es el proyecto y que parecería ser el fundamento epistémico que hace a la producción de diseño y 3- lo visual -un saber muy nuevo en pleno despliegue que comienza a ser un territorio nuevo de producción de conocimientos y saberes.

Estetización de la vida cotidiana (Primera Parte)

Hoy vamos a comenzar a trabajar dentro de nuestros contenidos programáticos con la primer temática: estetización de la vida cotidiana.

Para empezar nos interesa hacerlos participar de una noción –de Filisberto Menna- que va a estar presente en las hilaciones de la clase y que es la de estetización difusa. La misma tiene que ver con que lo estético empieza a salir de las barreras del arte, de la filosofía y de la metafísica para comenzar a tener otro cuerpo en lo cotidiano, dándonos la posibilidad de abordarlo como intérpretes.

A partir de algunas teorías del gusto, teorías de la filosofía la idea es poder llegar a identificar que lo estético no es un discurso cerrado sino que está impregnado por juicios morales, impregnado por toda una carga axiológica (de valores).

A partir de un esquema de epistemes –producido desde el planteo de M. Foucault- podemos ver que hay sistemas de valores que diagramaron el territorio del arte -lo que hoy llamamos prácticas artísticas- y que esta relacionado a ciertos momentos, a ciertos contextos de producción (con sus fundamentos de producción, con su tipo de artista, con su comitente, con su fin). Ese esquema nos posibilitó visualizar algunas características del quiebre del Renacimiento con la Edad Media y el de la Ilustración con el Renacimiento.

En esta oportunidad nos interesa hacer una cartografía de los valores que aparecen en el complejo campo del S. XVIII para poder ver que es lo estético en relación a la estetización difusa. Podríamos decir desde una primera aproximación que es en ese momento que sucede algo que produce otro mundo de valores y que se relaciona con lo que es el centro de la modernidad como discurso. La práctica artística aparece como diferente y con una función singular y específica en su campo de producción. Se desplaza de los campos de la religión –de la espiritualidad- y aparece como lugar propio. Un lugar propio donde se producen ciertas cosas que son un valor para la sociedad. Se hace un hueco en el sistema de conocimiento de la episteme moderna para alojar este ámbito. Se produce otro sistema paralelo al científico. Este sistema de las artes que integra la belleza de la cosas y razón de ser del arte, nos muestra como lo estético empieza a desprenderse de la metafísica -de ese preguntarse por el ser- para empezar a producir un territorio propio de especulación. Se toma entonces como coordenada la belleza -como eso que ordena el territorio nuevo- y la razón de ser del arte como justificación.

Marchan Fiz habla de que el planteo ilustrado conduce y finaliza con la estetización. Es ahí que la estética emerge como un nuevo ámbito de producción de saber. Para Fiz es en ese momento que aparece un posible origen de lo estético separado de la metafísica. En esta recorrida de todos estos grandes movimientos que se alojan en el siglo XVIII aparecen discursos interesantes para pensar el discurso del diseño.

Elena Oliveras plantea que en el siglo XVIII en Inglaterra se habla de un felix aestheticus, de una felicidad estética que tiene que ver con la posibilidad de que el hombre pueda ser feliz. Lo que está planteando de alguna manera Olivera es que lo estético es un pliegue de subjetividad -en el sentido de que produce un sujeto como individuo enmarcado en redes institucionales sociales, políticas, culturales, económicas- que puede producir la felicidad del sujeto, de ese sujeto que aparece definido como individuo.

A continuación se mostraron imágenes de algunas propuestas de algunos artistas que plantearon a través de su repertorio de producción un modo de enseñanza moral. A través de la imagen puedo decir que es lo que no tiene que hacerse para poder ser feliz. También puedo conmover para poder movilizar estructuras positivas en el sujeto, para que sea más humano.

El potencial de lo estético -en relación a la estética de la modernidad y su proyecto emancipador- es poder liberar al sujeto, liberarlo como individuo. Entonces aparece toda una variedad de estudios sobre el gusto -cultivando el gusto se podía tener un mejor mundo- y la posibilidad de promover la capacidad de la experiencia estética para el desarrollo de las facultades humanas. La imaginación como facultad humana es otro intermediario para promover lo mejor en el sujeto. Mostrar lo lindo era una forma de humanizar, reproducir lo mejor de cada uno en esos lugares que aparecen en las ciudades. Por eso los jardines parisinos y las plazas en Viena tenían el objetivo de promover un entorno mejor para los individuos. Todo un discurso sanitario que en sí promovía otra forma de relacionamiento entre ciudadanos.

El que estamos recorriendo es el momento de los orígenes de la autonomía del arte, de los salones, del público, de la historia del arte, de la critica de arte como disciplina. El arte que estaba ligado a un régimen espiritual- religioso se desliga y produce otro sistema con nuevos componentes. Aparecen varios discursos en ese siglo XVIII, donde se puede ver como lo estético se embarca en lo moral con un discurso político, haciendo una gran ruptura con el discurso metafísico. Así la experiencia estética está referida a la contemplación de la obra de arte –en los salones- para que todos puedan ver lo bello y ser mejores individuos. Es interesante ver a través de algunas imágenes de pinturas producidas en ese momento como ciertas informaciones de lo compositivo producían en el que miraba ciertas sensaciones, que a su vez transmitían mensajes morales.

Ana Calvera plantea que en el siglo XVIII lo estético en esta trama compleja discursiva está relacionado con las sensaciones pero también con lo bello y con todos esos elementos que fuimos exponiendo.

Entrando en el siglo XIX lo estético ya no es solamente la sensación sino que aparece la emoción como algo primordial y la emoción relacionado con lo estético. El arte o las propuestas de diseño tenían que emocionar. La necesidad del diseño parece venir cargada con todos estos discursos (de la moral, de lo bello, del gusto). Tenía la obligación de producir cosas bellas para cultivar, para humanizar a los individuos.

En las artes aparece el binomio arte mayor/ arte menor. El arte mayor es algo que puede producir esta conmoción en lo espiritual y el arte menor es aquello que puede estar dado por los diseñadores que tienen que ornamentar para producir ese mejor entorno. Hacer esta cartografía nos ayuda a entender porque en el discurso del diseño aparece tan marcado el discurso de lo moral.

Así como hubieron rupturas en relación a lo artístico y al diseño también los hubo en el territorio de la arquitectura: ciudades como París fueron cambiadas drásticamente, no solo por fundamento político o militar sino también porque se denotaba algo diferente en los sujetos (los burgueses) que habitaban ese lugar. Y ahí jugando con los discursos y produciendo en torno a esos discursos replicaban recetas. Paris un lugar mejor, más limpio, más habitable.

Otros ejemplos de repertorios de imágenes rompieron con todo el repertorio cultural. La obra de Klimt fue censurada por pornográfica. Esa obra no podría ser puesta en juego con las demás. Fíjense el sentido de lo moral en relación con la imagen.

Para cerrar la clase se dispararon algunas preguntas para pensar junto a los estudiantes en torno a como se van entendiendo las hipótesis que se plantearon en la clase, en relación a lo estético y a lo moral: Que de lo moral (en el sentido de arreglos sociales culturales que hacen que produzcamos de cierta manera y no de otra) aparece en las prácticas del diseño en general? En que cosas puede estar apareciendo lo moral? Que es lo moral en nuestra episteme actual?

Por otro lado nos interesa saber cómo se está entendiendo el diseño y qué de todo esto a uno lo va movilizando, pues la implicación en las temáticas es lo que posibilita disparar investigaciones en el contexto del curso.

Bibliografía

Bozal, V. “Historia de las ideas estéticas y de las teorías artísticas contemporáneas”, (V. I/II). Madrid: Visor, 1996

Calvera, A. “Introducción: materiales para una estética del diseño” en: De lo bello de las cosas. Materiales para una estética del diseño, Barcelon, GG, 2007.

Menna, F. “El proyecto moderno del arte”, Bs. As., Fund. F. J. Klemm, 2006

Harvey, D. París, capital de la modernidad, , Madrid, Ed . Akal, 2008.

Schorske, C. “La Viena de fin de siglo- política y cultura”, Buenos Aires, SXXI Editores, 2011.

PPT numero 1:

Clase 2 estetización de la vida cotidiana (parte1)

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Ppt numero 2:

Clase 2 estetización de la vida cotidiana (parte 2)

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PRIMERA CLASE DE ESTÉTICA Y DISEÑO II (2012)

Estudiantes del curso: la crónica de la primera clase y las tareas a realizar para la clase que sigue (lunes 9/4) estarán alojadas en este blog. Supuestamente luego de semana de turismo se habilitará el sub-sitio del curso en la web de la Facultad.

Presentación del curso

La clase se dividió en 4 instancias:

1- Presentación del equipo docente y de los aspectos formales del curso como son horarios, salón, sitio del curso (en defecto de que la página de la farq no está funcionando al día de hoy), disponibilidad de material bilbliográfico CEDA, e-mail de contacto para consultas, reglamentación de los cursos (asistencias y trabajos parciales, condiciones de examen) para estudiantes de la LDVC y de Arquitectura (opcional)

2- Presentación de la modalidad de trabajo del equipo docente:


Del working in progress al diálogo en proceso

- El working en progress pone el énfasis en su despliegue temporal sin un final preconcebido….con una evaluación procesual, porque entendemos que los saberes se van integrando en movimiento.

- La idea es inaugurar un diálogo en progreso, donde el proceso individual y grupal y las turbulencias propias de la vida institucional lancen el sentido de la producción de saberes y conocimientos hasta encontrar dentro del horizonte de eventos, un tópico que genere interés y curiosidad para su abordajes. Entonces se les va a pedir que en grupalidades o individualmente produzcan un problema de investigación en este derrotero de 15 jornadas de trabajo. Para llegar a ese “objeto de interés” estudiable es preciso generar un ambiente de investigación y para ello se necesita de la comunicabilidad y de la posibilidad de un intercambio dialógico y de negociación. Eso proporcionaría una consistencia discursiva posible de circular en los ámbitos académicos universitarios y sociales.

- Nos interesan también estas producciones de problemáticas como campo referencial para que se desarrollen en este año posibles actividades de extensión, aprovechando a trabajar conjuntamente con organizaciones u otro sectores, y de formulación de proyectos de investigación por parte de los estudiantes, contando con el antecedente de que un grupo de estudiantes de la Licenciatura obtuvo financiación para desarrollar una investigación en el año que transcurre.

3- Presentación de las tematizaciones, herramientas nocionales y autores a trabajar en el curso.

Antes de introducirnos al temario del curso nos pareció importante -dado que el curso va a ser compartido entre estudiantes de la LDCV que se alojan en la Facultad de Arquitectura y estudiantes de arquitectura que se alojan en un curso de la LDCV- hacer visible lo que hay en común a compartir y que es: lo estético -no pensado como ese objeto de la filosofía sino como ordenamiento, como discurso que se produce en territorios con límites borrosos y que se relaciona a las prácticas artísticas y a las prácticas de diseño en general- pero además ese modo de proyectar - que tiene proveniencia en algo del proyecto moderno- que abre a un dominio de saber que es lo proyectual. La idea entonces es –corriéndonos de ese lugar de dilucidar si el diseño es o no arte) tratar de ver que sucede en nuestra cotidianeidad “estetizada”, en donde parecen convivir lo estético y el diseño.

Por otro lado nos interesa plantear que el equipo docente decide sobre lo estético en el diseño desde una “epistemología ampliada” (propuesta de la epistemóloga argentina Esther Díaz y que tiene que ver con la superación de la dicotomía sujeto-objeto, cultura -naturaleza y otros géneros que se producen en polaridad), que habla de no pensar desde un conocimiento como ese lugar de enlace con la verdad, sino desde otros saberes que se producen en alianzas políticas, en la producción de objetos y sujetos de discurso. La epistemología ampliada nos permite superar las dicotomías para abordar la imagen desde un lugar de reflexión, desde un pensar que trastoca los ordenes, que trastoca los discursos ya instalados. Esta manera de abordar la imagen nos permite, por ahora, ver como se está produciendo conocimientos en el mundo que estamos habitando; en un mundo que produce sentidos en torno a repertorios de imágenes.

Eso nos lleva un nudo problemático donde cabe preguntarse que es investigar en lo visual, o en lo proyectual , o en la imagen. También: ¿cómo se producen los objetivos? ¿Cómo llegamos a cumplirlos? ¿Cuales son las metodologías que implican estos otros modos de investigar? Preguntarnos además por cómo nos estamos produciendo en esos múltiples sentidos que despliega la imagen.

Una vez planteadas esas interrogantes se mostraron algunas imágenes con cartelería de un barrio particular de Montevideo para empezar a pensar algunas cuestiones: la imagen –en esto de los carteles produciendo signos y los signos arrojando significaciones-, y lo estético en esto de grandes escenografías que habitamos cotidianamente. Es así que nuestro curso en relación a eso se va a ubicar en las marcas visuales de los espacios públicos, como producción de escenografías en donde nuestra vida se despliega. Allí circula lo deseante, lo imaginario, lo estético.

Lo estético lo podemos pensar como producción de subjetividad. Esta es una noción de Michel Foucault que se va a trabajar muy seguido en el curso y que refiere al modo en que produce la alianza entre el saber (sus dominios) y el poder (en relación a la producción de sujetos). Creemos que es importante diferenciar la noción de producción de subjetividad -como ese modo de sentir, actuar y pensar mundo- de otra noción que es la de formaciones subjetivas (también de Foucault) y que son aquellas que el sujeto produce fueran de los regímenes de lo real, de la episteme. Episteme es una noción de Foucault también. El dice que desde una genealogía se podría dar cuenta de ciertos mundos de valores diferenciados. Ligado con eso, Esther Díaz propone la noción de paradigmas epocales, a partir de la noción de paradigma de Kuhn y la noción de episteme de Foucault. Ella dice que - a grosso modo- habría tres paradigmas epocales que son el pre-moderno, el moderno y el tardomoderno (que también podemos llamar tardomoderno o condición post-moderna). En el curso lo vamos a llamar condición post-moderna.

Entonces yendo al programa vamos a tener como centros de interés 3 tematizaciones:

a- Estetización del mundo, que tiene que ver con como devino el mundo de la vida “estetizado” Y ahí tenemos que ubicarlo en un momento histórico. Dentro de esta tematización vamos a tomar tres nociones: 1- la condición postmoderna, en el sentido del modo de sentir, pensar y actuar el mundo propio de estos momentos y en un contexto local. 2- la época de la imagen del mundo (noción de M. Heidegger) y 3- la sociedad del espectáculo de Guy Debord . El tema sería como el mundo se nos produce como imagen, como se monta esa gran escenografía para poder recorrerla.

b- Lógicas proyectuales, que están relacionadas con un dominio de saber. Pensamos la lógicas proyectuales como lógicas discursivas (este planteo se toma del arquitecto Roberto Fernández). Tendríamos que poder ubicar en nuestro contexto cuáles son esas lógicas proyectuales en los talleres que están cursando. Acá vamos a: 1- ver como se origina el proyecto moderno y como se produce la crisis del mismo, poniendo a la imagen como fuente de conocimiento. 2- el entramado discursivo del proyecto- corriéndonos del tema del producto del diseño para poder identificar los discursos que hacen al diseño. La idea es ver en un mundo concreto de prácticas sociales como el diseño emerge como un modo más de producir mundos. Por ejemplo la ciudad como mundo. 3- los megatemas contemporáneos de la comunicación, la sustentabilidad y de la productibilidad -que como grandes orientadores dentro del mundo del proyecto, dentro de los discursos del mismo- pueden ser reconocidos por R. Fernández en su propuesta cartográfica que aperece en su libro "Lógicas del proyecto".

c- Cultura Visual. Cuál sería ese otro campo, ese territorio discursivo que engloba la cultura visual, dentro de los Estudios visuales? Y en ese contexto nos preguntaríamos a que llamamos comunicación visual, en el sentido de como hacer para armar territorios en común para poder hablar de esas cuestiones. También poder visualizar y decir mínimamente que está sucediendo con el diseño en comunicación visual. Para eso vamos a : 1- producir una especie de cartografía, una especia de mapa para poder identificar las teorías de la visión en relación al discurso moderno por un lado y por otro cuales son esos disloques en la condición post-moderna, entendiendo la cultura visual como un discurso y tomando en cuenta el giro lingüístico y un poco más acá el giro post-pictorial (de Mitchell). W.J.T. Mitchell (autor que también se va a trabajar en clase) crítica el giro lingüístico de Rortry e incluso el giro semiótico propuesto por Bryson y Bal, apostando a un giro de la imagen (the pictorial turn) que evidencia una compleja interacción entre la visualidad, las instituciones, el discurso, el cuerpo y la figuralidad, pugnando por la aparición de nuevas alternativas de lecturas de lo visual, que a la vez se unen a nuevos procesos de desciframiento, decodificación e interpretación. También nos interesa los estudios visuales como ese lugar -en donde aparece la cultura visual como otro territorio contemporáneo de producción de saberes, que nos da la posibilidad de abrir espacios interdisciplinarios para abordar la imagen y por tanto de acceder a diversas herramientas metodológicas y campos epistemológicos –haciéndonos de nuestra caja de herramientas- para investigar.

La caja de herramientas -en el caso concreto de nuestro curso -serían esas teorías que nos van a ayudar a pensar el quehacer del diseñador en sus diversos vínculos con nuevas estéticas que se inauguran y con la contemporaneidad (ejemplos: cartografía, genealogía, hermenéutica, análisis del discurso, etc) La idea es que puedan ir armando un glosario con las diferentes nociones que vamos trabajnado.

Siguiendo con esta instancia de presentación de las tematizaciones se proyectaron imágenes de afiches producidos en diferentes momentos y contextos para empezar a visualizar que está sucediendo con el diseño, sabiendo que aspectos heterogéneos -que son parte del dominio de lo proyectual- nos llevan a reflexionar sobre el diseño no solo desde lo formal sino desde las diferentes capas discursivas que lo hacen. En los recorridos por los afiches aparece también otras nociones, como por ejemplo la de régimen escópico -que ya se viene trabajando desde el año pasado y que tiene todo un recorrido desde Lacan a Brea- y que es el modo en que nosotros miramos, sabiendo que la mirada pasa por algo más que por concentrar la visión en un punto, significa también circular lo deseante en la relación con otras cosas. La imagen nos produce toda una circulación por el repertorio que traemos, por esos regímenes del ver en donde nos estamos produciendo. El estar estudiando la imagen como intérpretes -como hermeneutas- nos da la posibilidad de ver cuales son los repertorios de valores que nos producen como sujetos.

Y para cerrar con esta parte de la presentación se mostró:

A- una síntesis que proviene del curso del Estética y Diseño I del año pasado en donde -entre otras cosas- se habló de: a-lo estético como arreglo personal. Estamos diciendo que lo estético es algo que también producimos como forma de ordenar el entorno. Entonces lo estético aparece relacionado a ordenamientos. Esto se va a ver más claro cuando trabajemos los orígenes del proyecto moderno en relación a lo que implicó lo moral y lo político. b- lo imaginario en relación a lo tecnológico (y para eso vamos a usar un texto de Daniel H. Cabrera), que es no solo los repertorios de imágenes sino que lo imaginario es también lo que circula a nivel social de lo que se proyecta holísticamente, donde lo imaginario es parte de lo tecnológico. Y c- la imagen está relacionado con lo deseante que circula. Pasar por un escenario es diferente a pasar por otro.

B- se reprodujo un video de la presentación de Bing Bang Theory a modo de empezar a pensar cuestiones que se relacionan a la imagen, a nociones que iremos trabajando a lo largo de 15 jornadas de trabajo.

4- Tareas

Para la próxima clase se les pidió:

a- leer el prefacio del texto "las palabras y las cosas" de Michel Foucault que pueden encontrar en:

www.uruguaypiensa.org.uy/imgnoticias/682.pdf

b-en forma grupal o individual, traer en formato jpg:
una cartografía con las marcas visuales significativas del espacio público comprendido en el barrio de pertenencia.

observaciones:
1. llamamos barrio de pertenencia al lugar donde se ha habitado más tiempo, así como también donde se ha centrado la vida social; para los que habiten en los límites de los barrios, elegirán aquél que sientan como el suyo;
2. llamamos cartografía a una representación singular de un lugar mientras se está recorriendo (a través del recuerdo, físicamente, satelital, etc); el formato es libre, pero necesariamente tendrá que traerse al curso en formato jpg;
3. llamamos marcas visuales significativas, a toda imagen instalada en el espacio público que sea de interés (por alguna razón, posible de expresar) para quien recorre el barrio;
4. la cantidad de marcas visuales es decisión de quién realiza la cartografía.

PPT:

clase 1 presentación estética y diseño 2012

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